A deux, c'est mieux !

Une entrée au répertoire méritée! Comment croire que ce que d'aucuns considèrent comme le chef-d'œuvre de Szymanowski ait attendu 90 ans avant de prendre place sur les planches de l'Opéra de Paris?

C'était enfin chose faite, au mois de juin dernier, sous la houlette de Kazushi Ono, avec Krzysztof Warlikowski à la mise en scène. Mais une œuvre aussi particulière que Le Roi Roger ne pouvait sans doute avoir lieu que dans des circonstances pas moins spéciales! De ce point de vue là, le spectacle était réussi... puisque copieusement hué pendant les premières représentations (poussant le metteur en scène à ne plus venir saluer par la suite).

Il faut dire que le terrain n'était pas propice à la facilité: l'œuvre elle-même, fruit des considérations mystico-théologiques de son auteur, n'est pas un sommet d'intensité dramatique, privilégiant les tirades contemplatives (les avis divergent sur ce point!) aux péripéties classiques. On assiste donc plus ou moins à la perturbation d'un royaume oriental, par un jeune berger venu apporter le culte de Dionysos, entrainant dans son sillage la Reine, et le Roi, indécis quand à son attitude face à ce nouveau culte.
Du point de vue musical, l'avant-garde est moins accusée, mais néanmoins présente: Szymanowski accompagne son texte d'une musique foisonnante, cherchant par là à sous-tendre l'univers byzantin qu'il décrit. Çà et là subsistent des découpages "classiques", notamment avec l'air de Roxane (acte 2), mais l'œuvre est globalement conçue en trois actes ininterrompus.

L'orchestre s'est plutôt bien tiré de la tâche pas forcément aisée dans cette musique, de donner à entendre la richesse et la complexité de cette musique. Les chanteurs ont eux aussi plutôt bien défendu leur rôle, particulièrement pour ce qui est de la Roxane d'Olga Pasichnyk. Scott Hendricks, présent pour un seul soir, s'est montré à la hauteur de son rôle, dans les limites, malheureusement, que lui imposait la mise en scène. Les chœurs de l'Opera ont, par contre, vraisemblablement rencontré quelques difficultés et se sont trouvés aléatoirement perdus dans la scène d'ouverture, sans doute confrontés à la difficulté de la langue exigeante qu'est le Polonais.


Le spectacle pêchait bien plus (euphémisons, euphémisons...), malheureusement, par sa mise en scène. Krzysztof Warlikowski a suivi ses principes de mise en scène, et situé l'action à une époque relativement moderne (années 70, probablement). Du coup, le livret qui appelait une scénographie imposante (un palais antique, l'aura imposante d'un roi) tombe à plat: tous les effets ou presque sont minimisés, de l'entrée sensément majestueuse du Roi (ici, il s'habille, c'est tout...) à la beauté renversante du berger (là, un hippie à la perruque moche). Le propos n'est certes pas foncièrement inintéressant (transposition de la royauté à un univers de "stars", d'où des histoires de drogue, de vieillesse...) mais loin d'être adapté au matériau de base: la luxuriance de la musique est presque anachronique face à cette mise en scène: un comble!
Et malgré quelques images fortes (ce corps de femme suspendu, comme en apesanteur, dans une mer de fumée), c'est une esthétique de la laideur qui domine, le paroxysme étant atteint lorsque le berger, durant une hallucination droguée de Roger, arrive sur scène avec des enfants portant une tête de Mickey, et commence une chorégraphie digne du club med. On a donc la désagréable impression d'assister à "Roger et les G.O.", ce que vient conforter la présence dans le final d'un soleil en néons...

Krzysztof Warlikowski a délibérément choisi de ne pas servir l'œuvre, et c'est bien dommage: les quelques bonnes idées sont masquées par une absence générale d'inventivité (malgré des décors plutôt réussis, bien que totalement déplacés) qui n'aide pas à faire passer une œuvre difficile d'accès et déroutante. C'est à désespérer d'avoir un jour une "vraie" production de cet opéra. Devrons-nous attendre plusieurs dizaines d'années...?

Cette journée à Avignon, partagée entre le Off et le In, commençait par un spectacle, du off donc, adapté de la pièce de Maurice Mæterlinck, L'oiseau bleu, par la compagnie du Théâtre du Kronope. Cette adaptation mettait en scène deux comédiennes, ainsi qu'un musicien sur scène, utilisant à la fois des instruments réels et des sons pré-enregistrés. L'histoire de cette pièce, sans doute la plus connue de Mæterlinck (si tant est qu'il soit aujourd'hui connu pour autre chose que ses mivrets d'opéra pour Debussy et Dukas), est celle d'un jeune homme parti à la recherche de l'oiseau bleu, sensé apporter la connaissance universelle à celui qui le capturera. Sur son chemin, il rencontre une vieille femme âgée de quatre-vingt dix neuf ans, une sorte de fée qui l'accompagne dans sa quête. Quiconque lui déclarera quelle est belle mourra. Pourtant, au fur et à mesure de leur progression, à travers des paysages différents, le jeune homme se rend compte que ce qu'il trouve dépasse largement la simple connaissance, et il apprend à voir ce qui s'offre vraiment à ses yeux. La pièce devient alors tour à tour une réflexion sur le bonheur, l'amour, la mort, ou la naissance, entre autres, jusqu'au dénouement final.



 L'approche de la metteuse en scène et interprète, Joëlle Richetta, basée sur un travail du masque et des costumes, très fouillés, met en lumière à la fois les moments très enfantins de la pièce, mais aussi la réflexion profonde que celle-ci développe. S'enchainent ainsi des moments d'une rare poésie: un tube de tulle éclairé dans lequel avancent les deux personnages suggère ainsi la brume du « pays des souvenirs » où le jeune garçon retrouve les morts, les fantômes de ceux qu'il a connus; une sphère lumineuse et blanchâtre, qui représente le monde des gens à naître, et la lumière qu'ils apporteront sur le monde par leur savoir...

Cela ne serait pourtant rien sans l'énergie des interprètes, Joëlle Richetta, en tête, qui sert magnifiquement son rôle de fée et vieille femme, ainsi que les autres personnages qu'elle figure par le biais de masques ou de costumes différents. Le ton est tantôt grave, tantôt emporté par un élan de poésie, avec une variété de registres toujours à propos. Elsa Stirnemann-Coqueran, dans le rôle du jeune homme, fait montre d'un jeu un peu moins nuancé et subtil, mais cela a sans doute trait au rôle, beaucoup moins varié. Quant à Giulio Berutto, il contribue fortement avec ses musiques « de scène » à la réussite de l'ensemble, et n'est jamais par-dessus le jeu des acteurs, soulignant simplement au contraire le fil narratif par ses ambiances sonores. Une très bonne surprise donc que ce spectacle. 



Le deuxième gros rendez-vous de la journée, après un spectacle de Baratha Natyam plutôt reposant et réussi, était, dans le in cette fois, la mise en scène par le cinéaste Christophe Honoré de la pièce de Victor Hugo, Angelo, Tyran de Padoue. Pièce peu fréquente dans les programmations, à l'intrigue rocambolesque comme seuls savent les faire en principe les auteurs de livrets d'opéra, Angelo... met en scène le Tyran précité, qui exerce sa domination sur les femmes: la sienne, Catarina, qu'il n'aime pas et tient cloîtrée depuis leur mariage, et sa maîtresse , une actrice nommée La Tisbe, qui déclenche chez lui une jalousie maladive, alors que celle-ci ne l'aime pas, étant éperdue d'un autre (Rudolfo) qu'elle fait passer pour son frère, et qui, lui, est amoureux de Catarina qu'il n'a pas vue depuis sept années. (ouf!) Un amant éconduit de sa femme, Homodei, lui tend un piège, déclenchant la jalousie vengeresse du mari, et La Tisbe se retrouve tiraillée entre le désir de nuire à la femme et l'envie de protéger celui qu'elle aime, même si elle n'est pas aimée en retour. S'ensuivent des rebondissement tous plus inénarrables les uns que les autres: faux poison, meurtre du conspirateur etc.



  Ce qui surprend, ou ne surprend pas à dire vrai, d'emblée, dans la mise en scène, c'est sans doute le ton très « Avignon in »: le premier acte se déroule ainsi durant une fête mondaine, musique pop-rock à fond, costumes haute couture (de Yhoji Yamamoto) déstructurés... En fin de compte, cela correspondait bien à l'idée que je me faisais du « in »: quelque chose de volontairement revu au goût du jour, parfois un peu « posé », se voulant « tendance » …  Ce n'était pas une mauvaise chose, dans le fond, pour ce qui est d'Angelo, et cela n'a pas nuit à la pièce, étant même de bon aloi, puisque fonctionnant au fond relativement bien. La frayeur initiale que j'ai ressentie venait bien plutôt des acteurs: la voix de la pourtant remarquable Clotilde Hesme (La Tisbe) n'a sûrement pas dépassé le troisième rang pendant les dix premières minutes de la pièce, ni celle de Marcial di Bonzo Fo (Angelo). Mais, passés ces quelques moments, grâce aussi sans doute à l'agitation propre à l'intrigue, les choses se sont déliées, et définitivement améliorées pour la suite du spectacle.

 Il n'y avait alors plus qu'à se laisser porter: la mise en scène, sans être foncièrement très fouillée, était tout à fait efficace; le décor, un échafaudage qui permettait de laisser coulisser au sol deux plateaux représentant un salon et une chambre, visibles même repoussées sur le côté, n'y était pas pour rien. Dommage que le travail, relativement basique, sur les lumières, n'ai pas été à la hauteur (à part sans doute pour la fin, plongée dans une lumière rouge oppressante, mais pas très originale non plus), sans pour autant desservir la mise en scène. Quelques éléments restaient obscurs: la présence constante de plusieurs hommes de main sur le décors, dans l'obscurité, qui permettait de se rincer l'œil quand deux d'entre eux, bien bâtis, se caressaient l'un l'autre en slip, mais laissait plus perplexe lorsque le premier de ces deux, affublé d'une tête de cheval, se faisait épiler les jambes par le deuxième! Même si cela ne desservait pas non plus la mise en scène, apportant de surcroît une touche d'humour, déjà propre au drame romantique tel que théorisé par Hugo, et donc stylistiquement plutôt correcte.



Christophe Honoré n'a finalement pas résisté à l'attrait du cinéma, déjà très présent au long de la pièce à travers un micro servant aux apartés des personnages, en inventant un épilogue filmé, situé qui plus est à Denfert-Rochereau à Paris. Trouvaille pas forcément nécessaire, mais pas non plus sans intérêt, puisqu'elle n'en montre finalement pas beaucoup: un simple chassé croisé amoureux (ou qui ne l'est plus vraiment, on ne peut trancher) entre les deux personnages filmés, sur fond de musique rock, là encore, qui clôt la pièce de manière très poétique.

 Les acteurs principaux (j'ai oublié de citer Emmanuelle Devos dans le rôle de Catarina) portaient la pièce, mais cela pêchait un peu plus du côté des seconds rôles: la Dafné d'Anaïs Demoustier était bien trop mièvre et simplette, même si le rôle y est pour une part. L' Homodei de Julien Honoré était quant à lui un peu trop systématique dans le flegme, enlevant de là une partie de l'épaisseur psychologique du personnage.  Pour autant, ne crachons pas dans la soupe: cela reste un spectacle de très haut niveau, et une vraie bonne surprise quant au talent de metteur en scène de Christophe Honoré. Les spectateurs ne s'y sont pas trompé, puisqu'une seule huée, rapidement étouffée s'est faite entendre au milieux des ovations.